Learning Opera with images and words - Let's discover "la Solita Forma", the standard form for Italian opera in 1800

What do you think about when you think of Italian opera? Wonderful singing? Exciting stories full of revenge, passion and murder? That's right: Italian opera is all that. But Italian opera composers weren't people who wrote music only when the inspiration came and who had no rules at all in composing: they were very skillful professionals who had very clear in their minds how to compose an opera. They were a little bit like today Hollywood playwright: they knew that composing a successful opera meant hard work and knowledge of the rules. And, of course, a little bit of chance.

If we walk into the atelier of a Eighteenth century composer, like, for instance, Mozart or Paisiello, we see that all their Italian operas (i.e: operas who were sung in Italian) have the same form: they are made by scenes in which we can find two elements:

1) The Recitativo, which is a little bit boring, but which is the part of the scene in which the action takes place

2) The Aria, which is in the end of the scene and has not a great importance for the development of the story, but which is very interesting from a musical point of view

You can try to find this two elements in the following scene of Mozart's Le nozze di Figaro:

What do you think of such a scene? Yes, of course, the aria in the end of it is beautiful, but the long recitativo isn't and this point of view was shared by many composers who, in the beginning of the Nineteenth century tried to "put more music into the opera scenes" and built the so-called solita forma.

What is it? We'll discover that in this episode of our brand new programme A punk at the opera.

The idea of the Solita forma is Rossini's. Rossini, whose main interests were music and food, as we can see in the following image,

thought: why should we put only a very short aria after the very long recitativo? I want an opera full of beautiful music and melody, not a one full of boring recitativos!"

And so he had an idea: he put after the recitativo not one but two arias: a slow aria, which was called the cantabile and a fast one, which was called the cabaletta.

The basic structure of solita forma is the following: scena (recitativo) - cantabile (slow aria) - cabaletta (fast aria)

And so he created the basic structure of the Solita forma, which was made by three parts:

1) Recitativo, which now was called scena

2) Cantabile, which was a slow aria

3) Cabaletta, which was a fast aria

But Rossini wasn't still satisfied. "We need to put something between the cantabile and the cabaletta! The story need to go a little bit on between this two arias" he said and so he put the Tempo di mezzo between the two arias.

What is the Tempo di mezzo? It is a very short piece of music (30 seconds - 2 minutes, even though Verdi creates Tempos di mezzo who last 5-7 minutes) which is, from a musical point of view, more melodic than the recitativo but less than the arias and in which something happens. Something sudden and unexpected, usually: for instance, the main character receives a letter which says that his mother has been imprisoned and will be executed (Il trovatore), a character who was believed to be dead appears again (Il trovatore, again) or someone asks something to the main character (Lucia di Lammermoor).

In every case, the Tempo di mezzo is always very short and what happens in it is very simple.

So, the basic structure of the Solita forma is this:

1) First of all, we have a Recitativo or Scena in which the story goes on, the characters talk and things happen:

Scena, in which the action takes place: "Hello!" "Oh, hello! Do you know my daughter?" "I don't! Well, I'm John, nice to meet you!"

2) Now, what happened in the Recitativo evokes a feeling in one of the characters on scene. That character expresses what he's feeling with a slow aria, the Cantabile

Cantabile, slow aria: "What a beautiful girl! I love you!"

3) But suddenly... suprise! Something unexpected happen: here's the Tempo di mezzo:

Tempo di mezzo, in which something happens (again): "Hello!" "Who are you?" "I'm Moiro the acrobat and I love you more than John!" "Do you?"

4) What happened in the Tempo di mezzo inspires another feeling in the character who sang the Cantabile and he expresses this feeling by singing another aria: the Cabaletta. It is a fast aria and it is usually repeated twice: the first time, the singer sings it as the composer wrote it, the second time he adds highs and grace-notes in order to show his vocal abilities.

Cabaletta, fast aria: "I love you more than Moiro and I'll show that by singing this song with a jazz band of flying acrobats!"

Well, to be honest, we should say that this is not always true. In fact, this structure of the Solita forma is used only when only one singer sings in the cantabile and in the cabaletta: when the singers who sing there are more than one, the composer puts a melodic bridge between the recitativo and the cantabile. It is called Tempo d'attacco and we can find that in duets, quartets and so on. In the Tempo d'attacco, usually the characters who will sing together in the cantabile and in the cabaletta, have a dialogue, as we can see in the following example taken from Donizetti's Lucia di Lammermoor:

The difference between the Tempo d'attacco and the two arias is that in the Tempo d'attacco the two (or three, four...) singers never (or hardly ever) sing together, while in the arias they always do. To see the difference, here's the complete scene from Lucia di Lammermoor, in which the Tempo d'attacco we heard is followed by a Cabaletta (well, I know, that's a little bit strange - the Tempo d'attacco should be followed by a Cantabile, then by a Tempo di mezzo and only at last by the Cabaletta - but it happens that composers for theatrical reasons sometimes don't use some parts of the Solita forma. Verdi will do worse, believe me).

Can you see the difference?

Well, now, let's sum up:

1) If the two arias are sung by a single singer, the scene is built like that: Recitativo (Scena) - Cantabile - Tempo di Mezzo - Cabaletta

2) If we have a duet, a quartet and so on, the Solita forma is modified like that: Recitativo (Scena) - Tempo d'attacco - Cantabile - Tempo di Mezzo - Cabaletta

If you want to impress your friends by showing your knowledge of Italian Opera (please don't), you will be probably pleased to know that there is another kind of Solita forma. What kind? Well, ladies and gentlemen, let me introduce you to the wonderful...

What is the "Finale"? It is the end of an act ("Fine", in Italian, means "end"), but the solita forma we're talking about is the one we can find in the Finale of the second act of  Opera seria (which is the opera which talks about tragic and serious subjects and which have three acts) or of the first act of the Opera buffa (which is comic and has two acts). It is the so-called "Central Finale", i.e. the Finale which you can find in the middle of the opera.

Well, the Finale has a very particular Solita forma, because in the beginning of it you'll never find a recitativo but...

Yes, there's always a choir singing in the beginning of the Finale. The rest of the Finale is nothing strange, but you have to remember two things:

1) In the Finale, you can usually find on scene (and singing) all the characters of the opera. For instance, in the small opera we created in order to explain the parts of Solita Forma the characters are John (aka "The punk at the opera"), Moiro the acrobat, the girl they love and her father: well, in the Finale of the first act (it is a comic opera, isn't it?) we'll find all those characters on stage and singing for our delight.

2) In the Finale, the two arias of the Solita forma change their names (but they are nothing different): the Cantabile is called Concertato (because all the characters sing together and concertare, in 1800s Italian, meant something like "making many instrument or singers play or sing together") and the Cabaletta is called Stretta.

It's easy, isn't it? Well, you're know ready to see the Finale of the first act of our beloved opera Johnny the Punk against Moiro the acrobat and recognize the single parts of its Solita Forma:

I know, it's not a very instructive end: people shouldn't drink and so on. But, well, if you have a better idea for that, please tell me and I will see what I can do.

If you want to test your skills in recognizing the parts of the Solita forma of the Finale, you can go and listen to the Finale of Lucia di Lammermoor Act II (you can find it here). Can you recognize the parts of the Solita forma we've seen? Just a tip: this is the stretta:

Wonderful, isn't it? Just in case you didn't notice it: I love Donizetti, but let's move on.

This is the structure of the Solita forma, now there's only one thing left to do: you may ask in what composers' operas we can find the Solita forma. It is very simple, indeed: you can find it:

1) In some Rossini's opera, given that Rossini, as we said before, was the creator of Solita forma

2) In all Italian operas written in the 1830s. The main composers in this period are two: Vincenzo Bellini, a Sicilian composer who had a lot of success in Northern Italy...

...and Gaetano Donizetti, a composer from Bergamo, in Lombardia, who had a lot of success in Naples and in Southern Italy.

Someone says Bergamo composer Donizetti wrote the music of worldwide known Neapolitan song "Te voglio bene assaje"

Donizetti was very successful in Naples and someone says that he has also written the music of one of the most beautiful Neapolitan songs, which you can hear below. I have to say that many authors disagree with this attribution, but I love Te voglio bene assaje, and I wanted to put it here.

3) In Verdi's operas, but Verdi makes many changes to the Solita forma: he does not change the structure, but he makes very long Tempi di mezzo and he uses Recitativo as sort of a monologue (for instance in Rigoletto). We'll talk about that later.

Well, ladies and gentlemen, sadly we reached now the end of our episode of A punk at the opera. This was the story and the structure of the Solita forma, the standard form of 1800s Italian opera. Knowing it will help you understanding better Italian opera and show your high knowledge of opera to your friend during your future travels to Italy or next time you'll go to the Opera theatre. I hope you enjoyed your visit and we'll see again soon for another episode of A punk at the opera.

See you soon!

A punk at the opera: che cos'è la "Solita forma"? - Parte seconda: la struttura della "Solita forma"

Buonasera e benvenuti alla seconda puntata di "A punk at the opera". Per chi se ne fosse scordato, stavamo parlando di Solita forma, ossia della struttura "standard" del pezzo chiuso d'opera a partire dagli anni Trenta dell'Ottocento fino a gran parte della produzione verdiana.

1. Ma, in definitiva, come è fatta la "Solita forma?"

La struttura di base della Solita forma si basa su un assunto: basta con il recitativo seguito da una sola aria! Nella Solita forma ogni recitativo è seguito da due arie, una lenta e una veloce. L'aria lenta si chiama cantabile, l'aria veloce cabaletta. Quindi, in ogni pezzo chiuso d'opera troveremo:

1) Per prima cosa il recitativo, che è del tutto uguale al recitativo che abbiamo sentito nelle Nozze di Figaro eccetto per il fatto che è accompagnato dall'orchestra e si chiama dunque recitativo accompagnato (o obbligato). Il recitativo accompagnato esisteva già nell'opera del Settecento, in cui a volte trovavamo il recitativo secco con il clavicembalo o con il fortepiano, altre il recitativo accompagnato con l'orchestra, ma a partire dall'Elisabetta Regina d'Inghilterra di Rossini, che è l'ultima opera seria in cui ci siano dei recitativi secchi, soppianta completamente il recitativo secco e diventa l'unico tipo di recitativo che troveremo nelle opere d'ora in poi.

2) Poi c'è un'aria lenta, il cantabile

3) Infine c'è un'aria veloce, la cabaletta

Chiaro?

Per sintetizzare questo primo passo nella struttura della Solita forma potete guardare l'immagine qui sotto:

Le canzoni citate nell'immagine sono Besame mucho, che potete trovare qui e che è lenta, e Highway star, che potete trovare qui e che è veloce, come potrete sentire

Tutto qui? No, purtroppo no. Ecco, vedete quel filo che collega le due finestre nell'immagine qui sopra? Sì, quello con gli uccelli sopra. Ecco, il cantabile e la cabaletta devono essere collegati in qualche modo: abbiamo detto che l'aria di per sé non è che dia informazioni fondamentali per lo sviluppo dell'azione, quindi non è che sia bellissimo scenicamente bloccare l'azione per dieci minuti perché prima deve essere cantata l'aria lenta, poi l'aria veloce e alla fine, ma solo alla fine, l'azione riparte con il recitativo successivo.

Quindi tra il cantabile e la cabaletta c'è qualcosa, c'è un piccolo inserto che non è un recitativo vero e proprio (è un filino più musicale del recitativo, che, come abbiamo visto, non è che sia proprio il colmo dell'orecchiabilità) ma che non è nemmeno un'aria e in cui, udite udite, succede qualcosa. In cui l'azione va avanti, insomma, in un modo qualsiasi: arriva una lettera, viene portata una notizia sconvolgente, il protagonista viene sorpreso a letto con un'altra donna e così via.

Di solito, questo piccolo frammento di azione dopo il cantabile fornisce al personaggio che canta lo spunto per la cabaletta: per dire, se tra il cantabile e la cabaletta il personaggio pesta una cacca, tutta la cabaletta verterà su quanto il personaggio sia incazzato per aver pestato la cacca, se viene sorpreso a letto con un'altra donna tra il cantabile e la cabaletta, la cabaletta sarà qualcosa del tipo: "Ti posso spiegare non è come sembra". E così via.

Questo inserto di azione tra il cantabile e la cabaletta si chiama Tempo di mezzo. Che fantasia, eh?

Quindi, a questo punto abbiamo visto la struttura base della solita forma e possiamo riepilogarla insieme:

1) All'inizio abbiamo il recitativo, in cui l'azione si sviluppa. Il recitativo viene chiamato, nei libretti d'opera, Scena (possiamo trovare, ad esempio, nell'indice dei numeri di un'opera, cioè dei pezzi chiusi dell'opera, scena e aria di X: ecco, la scena non è altro che il recitativo):

"Ehi, ciao! E' un sacco di tempo che non ci vediamo!" "Eh, è vero! E' davvero un bel po' di tempo!" "Conosci mia figlia Violetta?" "No. Salve, io sono Johnny!" "Io sono Violetta."

2) Poi uno dei personaggi inizia a cantare e canta un'aria lenta, il cantabile, durante la quale l'azione si ferma, perché di solito il cantabile riguarda l'espressione dei sentimenti del personaggio che canta:

"Che incontro fortunato! Io ti amo tanto!"

3) A questo punto succede qualcosa e l'azione va avanti un po': siamo nel Tempo di Mezzo. Di solito, il tempo di mezzo dura poco, tra i 30 secondi e i due minuti, però, come vedremo, Verdi riuscirà a dilatare i Tempi di Mezzo fino a 5-6 minuti sfruttando la relativa libertà fornita da questa parte della "Solita forma".

"Ciao, io sono Moiro l'acrobata e mi sto calando dal mio elicottero personale con la mia corda personale" "E perché?" "Per darti questi fiori, perché io ti amo più di lui!" 

4) L'azione avvenuta nel Tempo di Mezzo suscita qualche sentimento nel personaggio che aveva cantato il cantabile e lui ha il bisogno irresistibile di comunicarcelo: lo fa dunque in un'aria veloce che viene detta Cabaletta. La cabaletta di solito viene ripetuta due volte e la seconda volta si aggiungono degli abbellimenti. Ricordiamocene, perché sarà importante per capire la diatriba intorno ai do di petto di Di quella pira, che è, giustappunto, una cabaletta.

"No, Violetta, io ti amo di più e ti dimostrerò il mio amore cantando con un ensemble di acrobati musicisti!"

Ora, questa è la solita forma dell'aria, cioè quella che si ha quando il cantabile e la cabaletta sono cantate da un solo personaggio. Se il cantabile e la cabaletta sono cantati da due (duetto), tre (terzetto), quattro (quartetto) o più personaggi, viene inserito tra il recitativo e il cantabile un Tempo d'attacco che non è una vera e propria aria, ma che è molto, ma molto più musicale del recitativo.

Riassumendo:

1) Solita forma dell'aria: recitativo - cantabile - tempo di mezzo - cabaletta

2) Solita forma dei pezzi d'insieme: recitativo - tempo d'attacco - cantabile - tempo di mezzo - cabaletta

Come i pezzi d'insieme è strutturato il finale dell'atto primo nell'opera buffa (che ha due atti complessivi) e dell'atto secondo nell'opera seria (che ha tre atti complessivi), solo che qui cambiano un po' i nomi e il cantabile si chiama concertato e la cabaletta si chiama stretta. Quindi la struttura è:

3) Solita forma del Finale d'atto: Grande coro, cui può seguire anche qualcosa - tempo d'attacco - concertato (che è il cantabile) - tempo di mezzo - stretta (che è la cabaletta)

A questo punto siamo pronti a vedere la solita forma all'opera!

2. La solita forma dell'aria: "Ancor non giunse..."

Nella Lucia di Lammermoor possiamo individuare facilmente le varie componenti della solita forma. Prendiamo la prima aria di Lucia, in cui Lucia arriva e dice di essersi innamorata di Edgardo. Potete sentire le parti corrispondenti ai singoli componenti della solita forma cliccando sui link (che segnalano l'inizio della parte in questione, ma non la fine, ovviamente). Ecco:

1) All'inizio abbiamo un recitativo (Ancor non giunse...) in cui Lucia entra in scena, comunica che sta aspettando Edgardo e dice di aver paura dei fantasmi che si aggirano nella zona in cui si sono dati appuntamento. Visto che la pronuncia della Sutherland può risultare... ecco... un po' anomala, vi posto il testo per maggiore chiarezza (il testo è preso da qui):

LUCIA Ancor non giunse!

ALISA Incauta!... a che mi traggi!... 

avventurarti, or che il fratel qui venne, 

è folle ardir. 

LUCIA Ben parli! Edgardo sappia 

qual ne minaccia orribile periglio... 

ALISA Perché d’intorno il ciglio 

volgi atterrita? 

LUCIA Quella fonte mai 

senza tremar non veggo... Ah! tu lo sai. 

Un Ravenswood, ardendo 

di geloso furor, l’amata donna 

colà trafisse: l’infelice cadde 

nell’onda, ed ivi rimanea sepolta... 

m’apparve l’ombra sua...

 ALISA Che intendo!... 

LUCIA Ascolta.

2) A questo punto c'è il cantabile, Regnava nel silenzio, in cui Lucia racconta di aver visto un fantasma in quegli stessi luoghi.

LUCIA

Regnava nel silenzio 

alta la notte e bruna... 

colpia la fonte un pallido 

raggio di tetra luna... 

quando sommesso un gemito 

fra l’aure udir si fe’, 

ed ecco su quel margine 

l’ombra mostrarsi a me! 

Qual di chi parla muoversi 

il labbro suo vedea, 

e con la mano esanime 

chiamarmi a sé parea. 

Stette un momento immobile 

poi rapida sgombrò, 

e l’onda pria sì limpida, 

di sangue rosseggiò! 

Dal confronto tra il recitativo precedente e quest'aria possiamo capire una cosa e cioè che il recitativo non ha rime e non ha uno schema metrico fisso (anche se non sembra perché l'incolonnamento mi è venuto malissimo, sono settenari ed endecasillabi non rimati a parte gli ultimi due versi, che sono in rima baciata), invece il cantabile (e il tempo di mezzo e la cabaletta) hanno uno schema metrico fisso (in questo caso sono tutti settenari) e c'è la rima.

3) Subentra il tempo di mezzo, in cui Alisa cerca di convincere Lucia ad abbandonare il suo amore per Edgardo e Lucia dice no:

ALISA Chiari, oh ciel! ben chiari e tristi 

nel tuo dir presagi intendo! 

Ah! Lucia, Lucia desisti 

da un amor così tremendo. 

LUCIA Io?... che parli! Al cor che geme 

questo affetto è sola speme... 

Senza Edgardo non potrei 

un istante respirar... 

Egli è luce a’ giorni miei, 

e conforto al mio penar.

Anche qui c'è la rima e c'è uno schema metrico fisso (sono ottonari a rima alternata ABAB. CDCD ecc.., per chi fosse interessato).

4) Infine abbiamo la cabaletta, Quando rapito in estasi, che in questo caso non è che sia il massimo della velocità però è comunque più veloce del cantabile, e Lucia ci comunica quanto ami Edgardo:

LUCIA

Quando rapito in estasi 

del più cocente amore, 

col favellar del core 

mi giura eterna fé; 

gli affanni miei dimentico, 

gioia diviene il pianto... 

parmi che a lui d’accanto 

si schiuda il ciel per me! 

Ancora una volta abbiamo uno schema fisso dal punto di vista metrico (settenari con rima ABBC - DEEF, cioè i due versi interni rimano, il primo e il quarto no).

Quindi, questo mi sembra che chiarisca abbastanza bene quello che abbiamo detto finora. Poi arriva Edgardo e inizia un duetto e quindi a questo punto avremo una Solita forma che comprende anche il tempo d'attacco...

3. La solita forma del duetto: "Lucia, perdona, se ad ora inusitata..."

Allora, a questo punto entra in scena Edgardo e la "Solita forma" ricomincia da capo e si riparte dal recitativo, che potete sentire qui dall'inizio fino al minuto 1.49, però dopo il recitativo abbiamo una bella novità: c'è una parte che non è che abbia proprio la melodia spianata del cantabile, però è in rima e ha un verso fisso, a differenza del recitativo.

Che cos'è? Ma certo: è il tempo d'attacco!

Il testo è questo (preso, come sempre, da qui)...

...e possiamo vedere che sono quattro ottonari con rima alternata ABAB (aborre/scorre, estrema/trema). Il tempo d'attacco è generalmente questo: una sorta di "brano ponte" tra il recitativo e il cantabile in cui i due (o più) cantanti dialogano in modo serrato tra loro con un testo che ha regolarità metrica (cioè il verso è sempre lo stesso, non c'è l'alternanza endecasillabi-settenari) e rima a schema fisso.

Poi arrivano il cantabile (Sulla tomba che rinserra), il tempo di mezzo (Qui di sposa eterna fede: tra l'altro, vi segnalo come già qui Donizetti un po' espanda il tempo di mezzo rispetto ai 30 secondi - 2 minuti standard; Verdi farà di molto peggio) e la cabaletta (la splendida Verranno a te sull'aure), ma questi li conosciamo già e non dovreste avere problemi a riconoscerli.

Comunque, se avete dei dubbi sulla corretta divisione in "parti" di un pezzo chiuso in base alla solita forma, il consiglio è di guardare il libretto: infatti, i librettisti di solito dovevano comunicare al compositore la corretta divisione in pezzi della solita forma (sennò il compositore si arrabbiava) e lo facevano, molto semplicemente, cambiando la struttura metrica da un pezzo all'altro. Quindi, se lo schema delle rime e/o il tipo di verso cambia, be', molto probabilmente siamo passati da un componente all'altro della solita forma. Ricordate, comunque, che il recitativo ha alla fine sempre una rima baciata, il che dimostra come i librettisti non avessero grande stima delle capacità intellettive dei compositori.

4. Per concludere: la solita forma del finale d'atto: "Per te d'immenso giubilo..."

A questo punto, ci resta da vedere il finale d'atto. Già che ci siamo, vediamo il finale del secondo atto della Lucia di Lammermoor:

1) All'inizio abbiamo un grande coro, in cui si inserisce una breve aria di Arturo (che è quello che sta per sposare Lucia per volere del di lei fratello Enrico):

2) Segue un tempo d'attacco lungo, ma parecchio lungo, che funziona come avevamo detto prima, cioè c'è un dialogo serrato prima tra Arturo ed Enrico, in cui Enrico cerca di giustificare lo scarso entusiasmo che Lucia manifesterà nel corso del matrimonio con la tristezza per la morte della madre, poi tra Arturo, Enrico e Lucia mentre vengono firmate le carte che sanciscono il matrimonio.

3) A questo punto entra in scena Edgardo, che, visto che Lucia gli ha promesso di essergli fedele per sempre, è alquanto perplesso dalla scena che vede. Come? Lucia sta sposando un altro? Ma non è possibile! Anche Lucia è perplessa: ehi, ma mi avevano detto che Edgardo aveva sposato un'altra donna, che ci fa qui? Infine Enrico, che ha mentito a Lucia per farle sposare Arturo, non è perplesso, dice semplicemente: forse ho fatto una cazzata. E' il concertato, che qui, come sempre nel finale del II atto dell'opera seria e del I atto dell'opera buffa, sostituisce il cantabile ed è semplice capire perché si chiami così: perché i cantanti cantano tutti insieme.

4) Poi c'è il solito tempo di mezzo: Arturo, Enrico e un po' di altra gente dicono ad Edgardo di andarsene sennò lo sbudellano (ma sì, un po' di pulp ci sta bene), Edgardo dice che lo possono anche sbudellare, ma lui prima sbudellerà loro e per evitare la carneficina - ma no, dai, volevamo il sangue! - interviene Raimondo, che è prete e che fa vedere ad Enrico che Lucia ha firmato il certificato di matrimonio, quindi è sposata ufficialmente con Arturo. Al che Edgardo si incazza come una biscia e inizia a vomitare insulti su Lucia...

5) ...e scoppia un gran casino: Enrico e Arturo minacciano Edgardo, Edgardo dice: "Uccidetemi pure, perché mi girano le scatole" e Lucia prega Dio perché Edgardo sia salvato. E' la stretta, che come sappiamo corrisponde alla cabaletta e che segna la fine dell'atto. E musicalmente è notevole, in my humble opinion.

A questo punto, sapete tutto quello di cui avete bisogno sulla Solita forma e possiamo quindi affrontare lo spinoso tema dei do di petto di Di quella pira senza grossi problemi.

Vi do pertanto appuntamento al prossimo episodio di Opera made simple per la conclusione del nostro discorso sul Trovatore.

See you soon!

A punk at the opera: che cos'è la "Solita forma"? - Parte prima: la struttura dell'opera del Settecento e la nascita della Solita Forma

Abbiamo interrotto il nostro viaggio nel "Trovatore" perché, prima di parlare della celeberrima "Di quella pira" dobbiamo parlare di quella che è la struttura tipica del pezzo d'opera a partire dagli anni Trenta dell'Ottocento fino a Verdi. Dobbiamo, cioè, parlare della cosiddetta "Solita forma".

La A Punk at the Opera Inc. in associazione con l'Associazione Dentisti di Johnny Rotten e con la Pipistrelli edibili S.P.A. (unico fornitore ufficiale di Ozzy Osbourne) è pertanto abbastanza lieta di presentare la prima puntata della rubrica A punk at the opera (siamo molto fantasiosi, vero?).

Prego pertanto il direttore della birreria di mandare il motivetto...

...e la sigla (già, c'abbiamo pure la sigla, siamo estremamente avanti)...

...e possiamo cominciare.

1. I pezzi chiusi nell'opera del Settecento: aria, recitativo, aria, recitativo...

Allora, prima notizia sconvolgente: l'opera italiana è strutturata a pezzi chiusi. Che vuol dire pezzi chiusi? Be', è molto semplice: vuol dire che non è un unico blocco musicale, ma che è fatta da tanti pezzi staccati che vengono eseguiti uno di seguito all'altro. Questo aspetto c'è già dal Settecento, in cui l'opera è costituita da una successione di arie e recitativi. Lo possiamo vedere in questo frammento delle Nozze di Figaro di Mozart: 

All'inizio c'è un lungo (ma parecchio lungo) recitativo (si tratta di un recitativo secco, cioè accompagnato soltanto dal basso continuo, cioè, in questo caso, dal clavicembalo), in cui l'azione si sviluppa: Figaro arriva, dice che il Conte vuole usare il suo diritto feudale su Susanna (tradotto: vuole usare lo jus primae noctis per fare zompa-zompa con lei) e insieme alla Contessa e a Susanna studia come fare per evitare tutto questo. Il tutto accompagnato dal clavicembalo.

Poi questa parte probabilmente interessante dal punto di vista scenico ma abbastanza noiosa musicalmente (tanto che il termine "secco" per questo tipo di recitativo fu coniato dai critici tedeschi proprio perché questo tipo di recitativo sembrava loro alquanto palloso) finisce e inizia l'aria: Cherubino inizia a cantare e quello che ci dice non è che sia fondamentale ai fini dell'azione (ci comunica essenzialmente che non sa bene se quello che prova è amore), ma è tanto bello musicalmente. Ecco, l'aria essenzialmente è questo, soprattutto nell'opera del Settecento: l'espressione di un sentimento (ti amo, ti odio, mi girano le scatole...) che si ha in un momento di temporanea sospensione dell'azione.

E' come se improvvisamente il tempo si fermasse perché il personaggio possa esprimere quello che prova, come se improvvisamente un gigantesco occhio di bue gli venisse puntato addosso e lui ci aprisse la sua anima.

Complicato?

Va bene, allora lo faccio. Mi avete costretto voi. Allora, in realtà non c'è niente di strano in questo modo di organizzare il teatro in musica con pezzi di recitazione più o meno cantata alternati con pezzi più "musicali" che però non dicono niente ai fini dello svolgersi della vicenda: è anche il modo in cui sono organizzati i musical, per dire. Prendete un qualsiasi musical, cosa ci trovate dentro? Pezzi recitati e pezzi cantati. L'azione sta nei pezzi recitati, i pezzi cantati sono messi lì in modo che non vi rompiate le scatole seguendo le vicende spesso non entusiasmanti presentate in scena e durano spesso sui 3 minuti.

Quindi, dove sta la differenza con l'opera del Settecento? Mettete un clavicembalo sotto le parti recitate e non ci sarà alcuna differenza. Ad esempio, prendiamo una scena random di Grease (sì, il film non piace nemmeno a me, ho provato a vederlo due volte e per due volte mi sono addormentato, però qualche canzone è carina): cosa c'è dentro?

Wow, ci sono le stesse due cose che c'erano nelle Nozze di Figaro: un po' di recitazione, che nel caso delle Nozze era accompagnata dal clavicembalo e un po' cantata e quindi si chiamava recitativo e che invece in questo caso è recitata e basta, e una canzoncina con tanto di balletto del bel John in cui non vengono veicolate informazioni fondamentali ai fini dello svolgersi della vicenda (se non si fosse capito, si dicono essenzialmente: "Io ti amo", "Io voglio te" et similia per cinque minuti filati).

Chiedo scusa ai puristi per le armi non convenzionali ma ve la siete cercata.

2. Da John Travolta a Gaetano Donizetti: un po' di storia della Solita Forma

Ecco, all'inizio dell'Ottocento, questa visione dell'opera come successione di arie e recitativi che era stata imposta da Pietro Metastasio verso la metà del Settecento, inizia un po' a venire a noia. Qualcuno inizia a dire: "Ma perché dobbiamo fare dei megarecitativi di quindici minuti in cui si svolge l'azione e poi limitare la parte più melodica, cioè l'aria, a solo due minuti in coda a tutto questo? Perché non iniziamo a mettere più musica nelle nostre opere?"

Gli autori di musical la stessa domanda non se la sono mai fatta, forse perché hanno capito che così gli autori delle canzoni scrivono meno, guadagnano lo stesso e possono comunque comprarsi delle villone sulla costa californiana alla facciaccia dei compositori d'opera che, dall'Ottocento in poi, per ottenere lo stesso risultato dovevano sbattersi almeno il doppio.

Comunque, il problema della monotonia della struttura recitativo-aria viene posto ed ecco che la struttura del pezzo chiuso d'opera cambia: dalla semplice struttura recitativo-aria-recitativo-aria... (succede qualcosa - qualcuno canta ed esprime quello che prova - succede qualcosa - qualcuno canta ed esprime quello che prova e così via ad libitum) si passa a qualcosa di più complesso: la Solita forma.

Il termine Solita forma deriva dalla prima monografia sull'opera verdiana, lo Studio sulle opere di Giuseppe Verdi di Abramo Basevi. Il nostro Basevi, parlando di una scena del Trovatore (guarda un po' i casi della vita), butta lì che in quella scena Verdi usa la "solita forma". Ma sì, dai, non una diversa, la solita, proprio quella che hanno usato tutti fino a quel momento. E che forma è la "solita forma"? Prima di scoprirlo, facciamo una piccola passeggiata nella sua storia...

La solita forma nasce con Rossini, che inizia a usarla nelle sue opere, non sempre, ma insomma è già un inizio. Il compositore pesarese, che in questa rara immagine d'epoca possiamo vedere mentre si dedica alle attività che preferiva...

Rossini è il primo a usare la Solita forma nelle sue opere

...cioè comporre e mangiare (non necessariamente in quest'ordine), crea dunque una struttura che gli operisti successivi useranno fino allo sfinimento, fino a farla diventare la forma standard del pezzo d'opera.

E infatti, a poco a poco, la nuova forma tirata fuori da Rossini inizia a farsi strada e negli anni Trenta dell'Ottocento le opere non sono più delle semplici successioni di arie e recitativi, ma sono composte da grossi blocchi creati secondo le norme della solita forma. Ormai, l'opera un po' monotona del Settecento è superata e la solita forma domina. I nomi da fare in questo caso sono due: Vincenzo Bellini, operista catanese che però più a nord andava, più successo aveva (tanto che morì vicino Parigi)...

Bellini e in generale tutta l'opera degli anni Trenta useranno molto (anzi, quasi esclusivamente) la Solita Forma

...e Gaetano Donizetti, che era di Bergamo, ma aveva un sacco di successo al Sud, tanto che si dice che abbia scritto la musica di questa celebre canzone napoletana (ma l'attribuzione è controversa):

Bellini e Donizetti rappresentano forse la più pura applicazione della "Solita forma" all'opera. Per capirci: una volta che vi avrò spiegato cos'è la solita forma, potrete divertirvi a cercarne i "componenti" in qualsiasi opera di questi due autori e riuscirci senza grossi problemi. Fare la stessa cosa in un'opera di Verdi potrebbe creare molti problemi in più. Infatti, Verdi inizierà a modificare la solita forma, ma di questo parleremo un'altra volta.

Gaetano Donizetti ebbe molto successo a Napoli. La canzone che sta cantando, "Fenesta 'ca lucive" è attribuita a Vincenzo Bellini.

A questo punto, possiamo addentrarci nel punto centrale della nostra discussione e cioè: ma com'è fatta, questa "Solita forma"?

Volete saperlo?

Sicuri?

E allora vi consiglio di rimanere sintonizzati su questa rete e di attendere la prossima puntata di A punk at the opera, l'unico programma sull'opera lirica il cui autore si sia seriamente rattristato dopo lo scioglimento dei Libertines. E chi sono? Appunto. Comunque ora dice che faranno un nuovo album. In ogni caso...

Stay tuned!